Ballet
is een
theatervorm
waarbij
dans
het voornaamste
medium
is. Naast een
choreografie
heeft een balletstuk een
muzikale compositie
en een
grafische vormgeving
in
decors
en
kostuums
. Bij
verhalend
ballet staat de
plot
beschreven in een
libretto
. Het gaat dus om een samenspel van kunsten (
gesamtkunstwerk
). De term ballet verwijst ook naar een
stijl
en
techniek
van dansen. Het gaat dan om de
academische
dans die we aanduiden als
klassiek ballet
. Daarnaast refereert het ballet(gezelschap) aan een gezelschap dat balletstukken opvoert. Het voornaamste balletgezelschap van
Nederland
is
Het Nationale Ballet
. In
Belgie
is
Ballet Vlaanderen
het grootst.
Het ballet ontstond tijdens de
Italiaanse renaissance
en ontwikkelde zich aan het
Franse
hof
. In de
18e eeuw
werd het een aparte, volwaardige vorm van
muziektheater
. Uit deze periode stammen de basispassen van de klassieke dans. Ballet kende een hoogtepunt tijdens de
romantiek
.
Russische
gezelschappen zorgden voor een heropleving in de tweede helft van de
19e eeuw
. Deze stijlperiode wordt eveneens klassiek ballet genoemd; niet te verwarren met de aanduiding van de techniek. De ballerina in haar
tutu
en
spitzen
domineerde de romantische en klassieke perioden. Deze stijlen bepalen nog steeds het
imago
bij een breed publiek. In de
20e eeuw
maakten de
Ballets Russes
van het ballet een
moderne
kunstvorm. Experimenten met nieuwe vormen gingen op termijn over in
jazzballet
en
moderne dans
. Hedendaags ballet kenmerkt zich door een combinatie aan stijlen.
Ballet is een veeleisende dansvorm. Het vergt jaren
training
om de techniek te beheersen. Hiertoe volgt men lessen aan een
balletacademie
. Verschillende academies hebben hun eigen
school
met typerende leermethoden en afwerkingen voor bepaalde passen. Balletdansers brengen tegenwoordig zowel klassieke als hedendaagse dans.
De vroegste omschrijving van ballet duikt op tijdens de
renaissance
. De
adel
van de
Italiaanse
stadstaten
liet zich vermaken met geometrische groepsdansen op
ensemblemuziek
.
Catharina de' Medici
bracht die traditie naar Frankrijk na haar huwelijk met
Hendrik II
. Voor de verloving van Margarete van Lotharingen en de graaf van Joyeuse liet zij het
Ballet comique de la reine
(1581) maken. Het
Ballet comique
combineerde dans en
acteerwerk
tot danstheater en geldt daarom als het eerste balletstuk.
[1]
Onder
Hendrik III
, de' Medici's zoon, werd ballet een vast onderdeel van het
amusement
aan het Franse hof. De functie was vergelijkbaar met die van de
opera
in Italie en de
masque
in
Engeland
. Ballet werd opgevoerd bij de ontvangst van notabelen en op huwelijken en andere feesten. Ambassadeurs, generaals, adellijken en zelfs de koning dansten in de balletten. Ook troonopvolgers
Hendrik IV
en
Lodewijk XIII
leerden al op jonge leeftijd dansen. De onderwerpen voor de balletten waren vaak afgeleid van
politieke gebeurtenissen
.
[2]
Daarnaast bevatte het ballet
komische
elementen. Lodewijk XIII specialiseerde zich bijvoorbeeld in
kluchtige
typetjes
en vertolkte meermaals een oude vrouw.
[3]
Onder
Lodewijk XIV
zwol de weelde van de opvoeringen aan. Kunstenaars als
Jean-Baptiste Lully
,
Pierre Beauchamp
en
Moliere
leenden hun talenten aan het ballet. De
macht van de vorst
was een favoriet thema van hofchoreografen. Op aandringen van Beauchamp liet de koning rondreizende artiesten en
acrobaten
toe. Deze konden zich zo omvormen tot professionele dansers.
In
1661
richtte Lodewijk XIV de
Koninklijke Dansacademie
op. Beauchamp leidde dit instituut als balletmeester. De academie zorgde voor een
standaardisering
van de danstechniek. Vanaf
1669
gingen voorstellingen niet langer aan het hof door. Het toen opgerichte
Ballet du Theatre
trad in plaats daarvan op in publieke zalen. Daarom was er in het nieuwe gezelschap aanvankelijk geen plaats voor vrouwen. Het duurde tot
Le triomphe de l'amour
(1681), twintig jaar na de oprichting van de academie, eer zij opnieuw deel uitmaakten van het ballet.
Onder
Pecour
, de opvolger van Beauchamp, voerde de academie een snelle technische vooruitgang aan. Hier werd de basis voor
klassieke dans
gelegd.
[4]
De vijf basisposities en
pas d'elevation
(hoogtewerk) die klassiek ballet typeren kwamen er onder invloed van Italiaanse dansers. Ook de import van Engelse
country dance
, het inkorten van de
rok
en de introductie van de
maillot
ondersteunden toenmalige innovaties. Het ballet was nog niet gescheiden van de
woordkunst
. Men combineerde dans met
voordracht
of danste als onderdeel van een opera. De eerste volledige afsplitsing van het ballet kwam er in
1708
, bij een privevoorstelling voor de
gravin van Maine
in
Sceaux
. De
mime-scenes
in deze voorstelling werden gebracht door dansers in plaats van acteurs. In
1717
maakte
John Weaver
van mime een volwaardig onderdeel van zijn ballet
The loves of Mars and Venus
.
[5]
Dit is wellicht het eerste
ballet d'action
, een verhalend ballet dat niet op woordkunst steunt.
In de
18e eeuw
kreeg ook de dans zijn herkenbare vorm. De Italiaanse
Marie Camargo
zorgde voor een aantal vernieuwingen. Ze kortte haar rok in tot boven de
enkels
en voerde
entrechats
uit, sprongen waarbij men de benen tweemaal kruist. Voordien gebruikten enkel mannen deze pas.
[6]
Ook de introductie van de
hakloze
balletschoen
wordt aan Camargo toegeschreven.
[7]
Haar grootste rivale, de Franse
Marie Salle
, danste als eerste in een losse
tuniek
in
Pygmalion
(1734). In
1776
introduceerde de
Duitse
Anna Heinel
de
pirouette
.
Pierre Gardel
en
Gaetan Vestris
perfectioneerden deze iconische draaibeweging.
Critici hekelden de mechanische aard van het ballet. Ze spraken over "beweging zonder betekenis".
[8]
Choreograaf
Jean-Georges Noverre
formuleerde een antwoord op deze tekortkoming. In zijn
Lettres sur la danse et sur les ballets
(1758-1760) verdedigde hij verhalend ballet in plaats van "dans om de dans". De visie van Noverre was bepalend voor de artistieke richting van de kunstvorm. Het
ballet d'action
met beweging als voornaamste medium werd de norm. De combinatie met mime die John Weaver al voorstond nam daarbij de expressieve functie van de groteske (en hinderende) kostuums en
maskers
over.
[9]
De
Franse Revolutie
bracht verdere verschuivingen. Het ballet was voor de revolutionairen een uiting van
aristocratische
decadentie. De Koninklijke Dansacademie werd gesloten. De beoogde democratisering van dans woog op de artistieke kwaliteit, maar creeerde ook kansen. Vooral het verzet tegen de
mode
van het
ancien regime
bleek vruchtbaar. De schoen met een platte
zool
werd de standaard bij de
burgerij
. De
neoklassieke
trend tijdens het
Directoire
(1795-1800) en het
Empire
(1800-1815) introduceerde losse, lichte gewaden. Dit alles liet een meer complexe choreografie toe.
Tijdens de revolutie bleef de academische techniek buiten Frankrijk bewaard.
Salvatore Vigano
leidde de
Milanese
dansacademie La Scala vanaf
1804
. Daar ontwikkelde hij het
corps de ballet
als een ensemble.
Carlo Blasis
volgde hem op in
1837
en introduceerde de
attitude
. De Italiaanse balletmeesters professionaliseerden daarnaast de lesmethoden.
August Bournonville
bewandelde een gelijkaardig traject in
Denemarken
. Hun bijdragen vonden de weg terug naar Frankrijk.
Marius Petipa
,
Christian Johannsen
en
Enrico Cecchetti
brachten de Franse en Italiaanse tradities ook naar
Sint-Petersburg
, dat een nieuw centrum werd.
|
|
|
Taglioni (
La Sylphide
, 1832)
|
|
|
In de
19e eeuw
kende het ballet een
romantische
stijlperiode. Lyrische en relatief vrije beweging waren kenmerkend. Schrijvers baseerden hun libretto's op
sprookjes
en feeerieen. Ballerina's kregen een choreografie met veel hoogtewerk (
elevation
). Ze werden geacht langdurig op de tippen te dansen (
sur les pointes
).
Marie Taglioni
deed dit als eerste in
La Sylphide
(1832).
[10]
In dit stuk droeg Taglioni ook de eerste
tutu
. De nieuwe choreografie benadrukte samen met kostuums uit
wit
tule
de etherische kwaliteit van de ballerina.
Het romantisch ballet beklemtoonde
vrouwelijke
rollen
. Buiten Rusland en Denemarken was de mannelijke danser slechts een
porteur
voor de ballerina. Ook dansten vrouwen vaak mannelijke personages
en travestie
. Een opmerkelijke uitzondering was de choreografie in
Giselle
(1841), het best bewaarde stuk uit deze periode. Choreograaf
Jules Perrot
streefde er bewust naar de traditie van mannelijke dansers te handhaven. De tutu die
Carlotta Grisi
droeg in
Giselle
werd het model voor latere ontwerpen. Door de invloed op klassieke balletten bepaalt de romantische periode nog steeds het imago bij een breed publiek.
Nauw verwant met de romantische stijlperiode is het
ballet blanc
. Dit is een benaming voor passages waarin de ballerina en het
corps de ballet
een witte tutu dragen. Stilistisch is het
ballet blanc
afgeleid van romantisch ballet. Het komt echter ook zonder romantische choreografie voor in klassiek ballet, zoals in het tweede bedrijf van
Het zwanenmeer
(1895).
In de tweede helft van de 19e eeuw ging de kunstvorm aanvankelijk stevig achteruit. In Parijs evolueerde het ballet tot een veredelde
peepshow
of
burleske
variete
. Rijke mannen
sponsorden
de ballerina's, vaak in ruil voor (seksuele) gunsten.
[11]
Enkel
Coppelia
(1870) leverde een opmerkelijke maar korte heropleving in kwaliteit. Choreograaf
Arthur Saint-Leon
nam in
Coppelia
een
csardas
op, een
Oostenrijks-Hongaarse
volksdans
. Dit was de eerste inclusie van een duidelijk type nationale dans in een academisch ballet. Volksdansen werden een populair onderdeel in latere producties.
Tegen het einde van de eeuw kwam er een herstel. Marius Petipa en
Lev Ivanov
produceerden met het
Mariinskiballet
enkele van de meest gekende balletten:
Doornroosje
(1890),
De notenkraker
(1892) en
Het zwanenmeer
(1895). Nadien voerde ook het
Bolsjojballet
deze stukken uit. De werken zijn het hoogtepunt van de klassieke stijlperiode. De choreografen werkten intens samen met
componist
Pjotr Iljitsj Tsjaikovski
. Dit zorgde voor een meer gewillige houding bij componisten om muziek voor het ballet te schrijven. Goede balletmuziek bleef evenwel een uitzondering. De meeste scores leverden niet meer dan begeleiding voor de dans.
In het klassiek ballet, niet te verwarren met de aanduiding van de
academische danstechniek
, was de
tutu
het aanvaarde kostuum voor de ballerina. Deze was wel korter dan tijdens de romantiek en kwam tot aan de
knie
. Bovendien werd de helling van de rok vlakker en kwam er meer variatie in
kleur
. Typisch voor een klassieke choreografie zijn de
divertissements
: een reeks dansen waarin de plot naar de achtergrond verdwijnt. Die beweging weg van
dramatische
eenheid is het belangrijkste verschil met het eerdere
ballet d'action
.
Bijzonder innovatief was Lev Ivanovs vloeiende, expressieve choreografie voor het tweede bedrijf van
Het zwanenmeer
. Het verhaal werd niet letterlijk gebracht, maar
poetisch
en
symbolisch
verteld in dans-beelden. Ook het
corps de ballet
trad (even) op de voorgrond. De dans bood daarmee een vooruitblik op de volwaardige rol die het
corps
nadien kreeg.
In de eerste decennia van de
20e eeuw
maakten de
Ballets Russes
van het ballet een moderne kunstvorm.
Impresario
Sergej Djagilev
toerde met dit gezelschap door Europa. Vooral het werk van choreograaf
Michel Fokine
legde de basis voor het modern ballet. Hij kwam in opstand tegen de
conventies
en gebruikte klassieke passen om nieuwe ideeen uit te drukken. Voorts vulde hij de academische techniek aan met vormen afgeleid van
oosterse
en moderne dans. Fokine hechtte tevens belang aan de eenheid van
dramatische
actie
. Dit gaf aanleiding tot kortere balletten met een enkele handeling. Ook
Vaslav Nijinsky
,
Bronislava Nijinska
,
Leonide Massine
en
George Balanchine
zetten de klassieke dans naar hun hand.
Onder invloed van de Ballets Russes verminderde het gebruik van
mime
. De expressieve kracht van beweging verving conventionele gebaren. Ballet werd ook minder gestileerd en zweverig. Zo introduceerden
Polovetzer dansen
(1909) en
Sjeherazade
(1910) openlijke
seksualiteit
en
gewelddaden
. Een andere innovatie was de definitief hernieuwde aandacht voor mannelijke dansers. Met
Le spectre de la rose
(1911) creeerde Fokine zelfs een
androgyne
rol. De danser in deze
pas de deux
heeft een
variatie
of danssolo, voordien enkel toegekend aan ballerina's. Bovendien vraagt zijn choreografie een
traditioneel
vrouwelijk
armgebruik
(
port de bras
). Vanaf
Les Sylphides
(1909) werd het
corps de ballet
een artistiek medium op zichzelf, los van de functie als achtergrond voor de voornaamste dansers.
Kunstenaars
Alexandre Benois
en
Leon Bakst
moderniseerden met hun bijdragen het kostuum- en
decorontwerp
. Ze gebruikten felle kleuren, tegen het
roze
en de
pasteltinten
van klassiek ballet in. Met
realistische
decors gaven ze nauwkeurig de historische context van de verhalen weer. Daarnaast getuigden enkele stukken van
exotisme
. Een duidelijk voorbeeld is
Le dieu bleu
(1912). Later gebruikten de Ballets Russes ontwerpen van
kunstschilders
zoals
Natalja Gontsjarova
en
Pablo Picasso
. Het realisme maakte dan plaats voor invloeden uit het
kubisme
,
primitivisme
en de
art nouveau
.
Ook de muziek uit deze periode was vernieuwend.
Igor Stravinsky
schreef een aantal composities die het publiek zelfs los van de actie waardeerde.
De vuurvogel
(1910) en
Le Sacre du printemps
(1913) behoren tot zijn populairste werken. Leonide Massine verschoof de aandacht van plot naar muziek met zijn
symfonisch ballet
Choreartium
(1933). Hij zocht de grens van theater en moderne dans op.
In
1929
, na de dood van Sergej Dhiaghilev, viel het Ballets Russes uit elkaar. Leonide Massine,
Rene Blum
en
Wassily de Basil
vormden het
Ballet Russe de Monte Carlo
uit de restanten. Geplaagd door interne twist en financiele onzekerheid slaagden ze er niet in de toonaangevende positie te herstellen. Het repertoire bleef conservatief. Wel leverde het Ballet Russe nog sterdansers af, zoals
Tamara Toumanova
. In de
Sovjet-Unie
was het
Bolsjoj
- en
Kirovballet
eenzelfde lot beschoren. Ze maakten technisch sublieme maar artistiek brave producties.
[12]
In Engeland richtte voormalig Ballets Russes danser
Ninette de Valois
het
Vic-Wells Ballet
op. Ook daar voerde traditie de toon.
Geleidelijk kwamen er nieuwe stijlen.
George Balanchine
's
Apollo
(1928) bracht al een gedanste interpretatie van muziek in plaats van een helder verhaal. Het Vic-Wells en het door Balanchine in
1948
opgerichte
New York City Ballet
experimenteerden verder met
abstracte
choreografieen. Dit gaf aanleiding tot het neoklassiek ballet. Zonder duidelijke plot, kostuums of decors bood deze stijl meer vrijheid en aandacht voor de dans zelf. Een typisch voorbeeld was
Frederick Ashtons
Symphonic Variations
(1946). Het werd in witte tuniek gedanst tegen een minimale set.
Uit de neoklassieke stroming ontwikkelde zich in de
jaren 60
en
70
het modern ballet.
Glen Tetley
,
Robert Joffrey
en
Gerald Arpino
leverden belangrijke bijdragen. Hun stukken waren atletischer. Ook was de sfeer en inhoud intenser. Joffrey's
Astarte
(1967) zat bijvoorbeeld vol
erotiek
en werd op
rockmuziek
gedanst.
Naast klassiek ballet bestaat er ook
jazzballet
. Jazzballet, of jazzdans, is geen moderne vorm van ballet. Het is een hedendaagse dansstijl die zich naast het ballet ontwikkelde. Jazzballet lijkt qua structuur wel op academische dans, maar de bewegingen zijn vrijer. Jazzdans ontstond toen choreografen uit het ballet en de
moderne dans
experimenteerden met technieken uit
Afro-Amerikaanse
stijlen en
tapdans
. George Balanchine was de voornaamste link tussen klassiek ballet en jazzdans. Jazzdans is gebaseerd op populaire in plaats van
klassieke muziek
. Naast
jazz
danst men ook op rock en
hiphop
.
In de
jaren 70
en
80
ging men verschillende stijlen combineren. Zo ontstond het hedendaags ballet. Daarmee kwam de kunstvorm in een
postmoderne
fase. Hedendaags ballet is niet altijd makkelijk te onderscheiden van de neoklassieke of moderne vorm. Wel blijft het verschillen van
moderne dans
. Om hedendaags ballet te dansen is nog steeds een klassieke ballettraining nodig. Hedendaags ballet zet de academische techniek wel naar eigen goeddunken in. Een voorbeeld is
Deuce Coupe
(1973) van
Twyla Tharp
. Daarin werkte een ballerina zich door klassieke passen, terwijl een
corps
in alledaagse kledij danste op muziek van
The Beach Boys
.
In the Middle Somewhat Elevated
(1987) van choreograaf
William Forsythe
overdreef de klassieke bewegingen dan weer op
elektronische muziek
.
Choreografen speelden ook steeds vaker met
genderrollen
. Zo danste
Jorge Donn
in 1979 de
Bolero
, oorspronkelijk in 1960 ontworpen voor een ballerina. De vernieuwingen zetten zich in de
jaren 90
en
2000
door. Onder invloed van groeiende competitie in de
amusementswereld
nam de verstrengeling tussen ballet en
popcultuur
verder toe. Tegenwoordig brengen gezelschappen zowel neoklassieke als hedendaagse choreografieen.
Balletdansers dragen kleding met een dubbele functie. Hun
kostuum
is enerzijds deel van de vormgeving voor een balletstuk. Anderzijds moet danskledij afgestemd zijn op beweging. Tegenwoordig draagt de klassieke ballerina een
tutu
,
maillot
en
balletschoenen
. De outfit voor een mannelijke danser vervangt de tutu door een
gympak
. Bij hedendaagse producties en het oefenen draagt ook de ballerina een gympak, al dan niet in combinatie met een losse
rok
.
Aanvankelijk danste men in aangepaste hofkledij. Omdat het ballet zich aan het
Franse hof
ontwikkelde, was vooral de Franse
mode
bepalend. Ornamentale
jurken
waren lang de standaard. Zware stoffen en
korset-achtige
lijfjes beperkten de bewegingsvrijheid. Onder
Lodewijk XV
introduceerde men een genepen
taille
en volle rokken ondersteund door
paniers
. Dit gaf ballerina's een klokvormig silhouet, maar bemoeilijkte het dansen nog meer.
In de
18e eeuw
groeide het verzet tegen de belemmerende kostuums.
Marie Camargo
danste in een sober, nauw aansluitend lijfje. Haar rok kwam tot enkele centimeters boven de enkel en ze droeg nauw aansluitend, klein
ondergoed
.
Marie Salle
zette nog radicaler in op comfort. Zij verscheen in
Pygmalion
(1734) in een enkele losse jurk uit
mousseline
. Choreograaf
Jean-George Noverre
benadrukte het belang van zulke lichte en eenvoudige stoffen, omdat ze de figuur van de danser onthullen. In de jaren 1770 gingen solisten ook zonder
masker
dansen, in de voorgaande decennia nog een vast onderdeel van het balletkostuum.
Na de
Franse Revolutie
veranderde de mode sterk. De
neoklassieke
trends tijdens het
Directoire
(1795-1800) en het
Empire
(1800-1815) maakten van losse gewaden de norm. Tot de komst van de tutu danste men in zulke kledij, geinspireerd door de revolutionaire idealen en de
klassieke oudheid
.
In de jaren 30 van de
19e eeuw
ontstond de tutu. De
victoriaanse
kledij van toen bracht modes uit de voorgaande eeuw terug, wat de volle rok en duidelijke
korsettering
van de taille bij de tutu verklaart. Het lijfje van de tutu werd gemodelleerd naar de
basque
, een nauw aansluitend bovenstuk dat voorbij de taille reikt. Het ballet bleef wel lichte stoffen gebruiken, zoals
mousseline
en
tule
.
De eerste tutu dateert uit 1832.
Marie Taglioni
droeg hem in
La Sylphide
. Tijdens de
romantiek
waren tutu's vaak wit. De rok was klokvormig. Doorheen de tijd werd de rok korter en vlakker. De afstand met toenmalige mode nam zo steeds verder toe. Tegen het einde van de eeuw kwam de rok slechts tot aan de
knie
. Na
modernistische
innovaties in de
20e eeuw
werd de tutu minder prominent.
In de jaren
1910
en
1920
veranderde een hang naar authenticiteit het ballet. De populariteit van de conventionele en gestileerde tutu daalde. Nieuwe kostuums benadrukten nog sterker de figuur van de danser. Aan het bovenlijf koos men steeds vaker voor een
gympak
. De iconische rok van de tutu werd ingeruild voor een losse rok of korte broek. Ook dansen zonder
maillot
of schoenen werd mogelijk.
Periodekostuums gaven nu de setting van een stuk weer. Ontwerpers creeerden geloofwaardige Griekse gewaden, oosterse outfits en historische kledij. Het werk van
Leon Bakst
en
Alexandre Benois
bij de
Ballets Russes
was tekenend voor deze trend. Ook
modernistische
kunststromingen vonden aansluiting. Onder meer
Pablo Picasso
en
Salvador Dali
ontwierpen experimentele kostuums met ongewone vormen. De
constructivisten
Naum Gabo
en
Antoine Pevsner
introduceerden moderne materialen zoals
mica
.
Sinds deze vernieuwingen hanteert men een
eclectische
aanpak. Tutu's, authentieke kledij en hedendaagse danskostuums worden door elkaar gebruikt, naargelang de noden van een productie. Inspiratie kan daarbij uit onverwachte hoek komen. Zo leverde
Coco Chanel
ontwerpen gebaseerd op
badmode
voor
Le train blue
.
Ballet is een veeleisende dansvorm. Het vergt jaren
training
om de techniek te beheersen. Om een professionele danser te worden, moet je een erkende opleiding volgen aan een
balletacademie
. De academies maken deel uit van het
hoger onderwijs
. Net als aan het
conservatorium
ontvangen geslaagde studenten een diploma van
Bachelor of Arts
. Nederland telt twee balletopleidingen: het
Koninklijk Conservatorium
in Den Haag en de
Nationale Balletacademie
in Amsterdam. Die laatste is verbonden aan
Het Nationale Ballet
. In Belgie is er de
Koninklijke Balletschool
te Antwerpen, verbonden aan
Ballet Vlaanderen
.
Een goede opleiding start al op jonge leeftijd. Daarom worden voorbereidende programma's aangeboden in het
voortgezet onderwijs
(Nederland) en op
secundaire scholen
(Vlaanderen). Leerlingen starten dan doorgaans op de leeftijd van twaalf jaar. In Nederland kan men uren balletles opnemen op de
havo
- en
vwo
-studieniveaus. In Vlaanderen is ballet een
studiegebied
in het
secundair kunstonderwijs
. Om dansers nog vroeger te vormen, zijn er ook vooropleidingen in het
basisonderwijs
. Deze starten vanaf de leeftijd van negen.
Toegang krijgen tot een opleiding is moeilijk. De academies organiseren een
toelatingsexamen
. Kandidaten moeten daarbij slagen voor een
auditie
. Scholen uit het voortgezet en secundair onderwijs mogen eveneens audities houden. Academies vullen het examen aan met een fysiek onderzoek. Dit toetst de sterkte van spieren en botten en de
behendigheid
en
conditie
van studenten. Ieder jaar worden de fysieke, technische en artistieke ontwikkeling opgevolgd. Dit is bijzonder stresserend in de
puberteit
, wanneer de lichaamsbouw en
motoriek
van dansers plotse veranderingen kan ondergaan. Daarnaast is er veel concurrentie tussen kandidaten.
Andere opleidingen onderwijzen
klassieke dans
als deel van een breder aanbod.
Hbo
-scholen in onder andere Rotterdam, Amsterdam, Arnhem en Tilburg bieden ballet samen met moderne dans aan. In Vlaanderen bestaat er een professionele
bacheloropleiding
Dans
in Lier. De
Performing Arts Research and Training Studios
van
Anne Teresa De Keersmaeker
biedt een vervolmaking in de hedendaagse dans aan, maar dat is een dure priveopleiding.
Het
Cultureel Centrum Suriname
(CCS) richtte in 1952 een balletschool op, die aanvankelijk onder leiding stond van balletdeskundigen die door
Sticusa
waren uitgezonden. Later werden zij opgevolgd door Surinaamse docenten die hun opleiding meestal in Nederland hadden gevolgd.
[13]
In 1973 werd de balletschool door het CCS opgeheven, om daarmee ruimte te bieden aan zelfstandig werkende balletscholen.
[14]
Medio jaren 1970 waren er bij de
Surinaamse dans
- en balletscholen rond de duizend leerlingen ingeschreven.
[13]
Aan het begin van de jaren 2010 zijn in Suriname drie balletscholen actief.
[15]
In 1978 werd het
Nationaal Ballet Suriname
opgericht,
[16]
dat bestond tot de jaren 1990.
[17]
Sinds 1986 komen Surinaamse balletdansers internationaal uit vanuit
Marlene's Ballet Company
.
[18]
|
|
|
LINKS
: Enrico Cecchetti als de fee Carabosse in
Doornroosje
(1921),
RECHTS
: Alexander Orlov in blackface als de Moor uit
Petroesjka
(1911)
|
Ballet is een vorm van
theater
. Tot in de
18e eeuw
werd dans gecombineerd met
opera
en
woordkunst
. Deze verwantschap vormde het ballet. Zo steunden de eerste balletten op tradities uit het
middeleeuws
theater. Het
decor simultane
, waarbij de verschillende decorstukken gelijktijdig op scene staan, was overgenomen uit het
mysteriespel
. Net als
mirakelspelen
en
moraliteiten
combineren veel stukken serieuze en komische elementen. Heel wat
personages
uit balletten gaan dan weer terug op
typetjes
uit de
commedia dell'arte
, Italiaans
improvisatietheater
uit de
16e
en
17e eeuw
. Voorbeelden zijn de serieuze minnaars in
Giselle
en de komische minaars in
Coppelia
.
[19]
Mime
, een belangrijk onderdeel van
ballet d'action
, ontwikkelde zich als narratieve techniek in het
Engelse
theater. Het bracht continuiteit in het toneelstuk
Gorboduc
(1561) en linkte scenes in de
drama
's van
William Shakespeare
.
John Weaver
en
Jean-Georges Noverre
introduceerden deze Engelse innovatie in het ballet. De mime wordt gebruikt om emoties uit te uitdrukken, handelingen uit te beelden en personages te karakteriseren. Conventionele gebaren nemen hierbij de plaats van woorden in. Het publiek moet door het artificiele karakter van de gebaren kijken (
suspension of disbelief
) opdat het ballet zou werken. Net omdat men in de
20e eeuw
de vorm als te gestileerd ging beschouwen, nam het gebruik van mime af.
Andere concrete technieken die in het ballet ingang vonden zijn
travestie
en
blackface
. De rol van oude, lelijke of kwaadaardige vrouw werd geregeld door een man vertolkt. De kwade fee Carabosse uit
Doornroosje
is hier een voorbeeld van. Blackface was ontleend aan het
vaudevilletheater
. Meestal stelde men hiermee figuren uit
Afrika
en het
Midden-Oosten
voor, zoals de Moor in
Petroesjka
en de Gouden Slaaf in
Sjeherazade
. Toch vinden we in ballet ook de vertolking van
Afro-Amerikanen
door blackface-acteurs. De cast van
High Yellow
(1932) en de familie uit het
Zuiden
in
Terminal
(1937) zijn illustratief. Ondanks het
racistisch
karakter krijgt de praktijk weinig kritiek in de balletwereld. Uitvoeringen van
Othello
en
La Bayadere
gebruiken de schmink nog steeds.
Ballet wordt vaak gezien is een makkelijke en passieve sport, of soms geen sport. Uit onderzoek blijkt dat met ballet je spieren en flexibiliteit bijzonder worden getraind, daarom behoort ballet tot een van de meest atletische sporten.
Techniek van ballet wordt opgebouwd vanaf een jonge leeftijd, met goede training is ballet voor veel mensen te behalen. Naast goede training is het bij ballet heel belangrijk dat je altijd blijft oefenen, als dat niet het geval is verlammen de opgebouwde spieren erg snel. Dat komt doordat de spieren bij ballet niet alledaags gebruikt worden. De spieren zijn wel cruciaal want alleen al staan kost kracht en concentratie.
De stervende zwaan
(Anna Pavlova, 1925)
(Yvette Chauvire, 1937)
(Natalia Makarova, 1964)
Grote gezelschappen registreren sommige van hun producties op
film
. De dvd-verkoop en uitzendrechten vergroten de commerciele waarde van die producties. De eerste exploitatie van deze aard was een samenwerking tussen het
Ballet Russe de Monte Carlo
en
Warner Brothers
. Zij namen in
1942
Capriccio Espagnol
en
Gaiete Parisienne
op. Tegenwoordig focust men vooral op populaire stukken, zoals
Giselle
en
Het zwanenmeer
.
Film helpt daarnaast met de
conservatie
van balletten. Danstheater is een voorbijgaande kunstvorm. Er is bovendien geen gevestigde notatie om een choreografie door te geven. Registratie op film vangt die tekortkomingen op. Het laat toe de dans te bewaren, traceren en reconstrueren. Een voorbeeld is de opname uit
1925
van
Anna Pavlova
in
De stervende zwaan
. Choreograaf
Michel Fokine
wou daarmee de officiele choreografie documenteren.
Het ballet levert ook thema's voor diverse cinemagenres aan. In de
musical
The Goldwyn Follies
(1938) choreografeerde
George Balanchine
voor
Vera Zorina
. Andere voorbeelden zijn de
horrorfilms
The Mad Genius
(1931) en
Suspiria
(1977) en de
film noir
Specter of the Rose
(1946). De meeste langspeelfilms over ballet zijn echter
drama's
met balletdansers als protagonisten. De insteek varieert van populaire films zoals
The Red Shoes
(1948) tot de auteurscinema van
Ingmar Bergmans
Zomerintermezzo
(1951). Recente bijdragen zijn
Ballet Shoes
(2007) en
Black Swan
(2010). Al deze films dramatiseren of romantiseren hun onderwerp.
Biografische films
en films die het ballet willen beschrijven bieden een meer getrouwe weergave. Regisseur
Herbert Ross
maakte verschillende zulke werken:
The Turning Point
(1977) over ballerina's Isabel Mirrow Brown en Nora Kaye,
Nijinsky
(1980) over Russisch balletdanser
Vaslav Nijinsky
, en
Dancers
(1987). Aan films als deze werken geregeld mensen uit de balletwereld mee. Zo danste
Mikhail Baryshnikov
een choreografie van
Twyla Tharp
in
White Nights
(1985). De
Joffrey Ballet Company
speelde mee in
The Company
(2003), een film over zichzelf.
In de
21e eeuw
vulden films de populaire beeldvorming aan.
Billy Elliot
(2000) toont een jongen uit de Britse arbeidersklasse die balletdanser wil worden.
Mao's Last Dancer
(2009) gaat over de politiek van internationale gezelschappen. Ook opmerkelijk is de
pastiche
van personages, plotelementen en muziek uit verscheidene balletten in de
animeserie
Princess Tutu
(2002).
- Noten
- ↑
Dit ballet beeldde het verhaal van
Circe
uit. Het werd 'comique' genoemd omdat het een
goed einde
heeft, niet omdat het
komisch
was.
- ↑
De invloedrijke kardinalen
Richelieu
en
Mazarin
gaven lessen in staatsmanschap mee via
allegorische
balletten. Het laatste ballet van Lodewijk XIII,
Ballet de la prosperite des armes de la France
(1641), verduidelijkte de politieke betekenis van het stuk in een
proloog
die Mazarin zelf schreef.
- ↑
De travestie van Lodewijk XIII was niet ongewoon. Het was een vast onderdeel van dans, vergelijkbaar met de invulling van vrouwelijke rollen in het theater. De vestimentaire wissel beoogde in dit geval wel een komisch effect.
- ↑
We hebben een goed beeld van de bewegingen en patronen dankzij de notities van
Raoul Auger Feuillet
.
- ↑
The loves of Mars and Venus
is het eerste Engelse ballet. De prominente plaats voor mime volgde een toenmalige trend in Engels theater.
- ↑
Voor Camargo's stunt dacht men dat enkel mannelijke dansers een
entrechat
konden brengen. Daar zaten de lange, zware rokken van de dames uiteraard voor iets tussen.
- ↑
Hoewel het niet onwaarschijnlijk is dat Camargo platvoets danste, draagt ze op alle afbeeldingen toch schoenen met hakken.
- ↑
Nederlands
filoloog
Isaac Vossius
uitte deze grief in
De docmatum cantu et viribus rhytmi
(1673). De Franse schrijver
Toussaint de Saint-Mard
behandelde het onderwerp in zijn
Reflexions sur l'opera
(1741).
- ↑
Noverre was een leerling van
Louis Dupre
, die Pecour opvolgde als balletmeester aan de Franse academie. Zijn inzichten over expressie werden wellicht beinvloed door een verblijf bij Londens acteur
David Garrick
.
- ↑
Taglioni deed dit zonder hulpmiddelen. Pas in de tweede helft van de 19e eeuw gingen Italiaanse ballerina's aangepast schoeisel dragen, de voorlopers van de
pointe
-schoenen of spitzen.
- ↑
Ook de tutu was onthullend naar victoriaanse kledingnormen. Ballerina's toonden meer naakt dan wat men buiten het ballet fatsoenlijk achtte. Ze waren bovendien naakter dan strikt nodig voor de choreografie.
- ↑
De mogelijkheid tot artistieke innovatie in de Sovjet-Unie slonk aanzienlijk
na de revolutionaire fase
.
- ↑
a
b
C.F.A. Bruijning en J. Voorhoeve, 'Encyclopedie van Suriname', lemma "Ballet", pag. 39-40, Elsevier, Amsterdam ? Brussel,
ISBN 9010018423
, 1977
- ↑
Vrije Stem,
C. C. S. nieuws
, 05 oktober 1973
- ↑
De Ware Tijd,
Ballerina zijn in Su?
, 2 april 2011.
Gearchiveerd
op 29 juni 2021.
- ↑
Kunsttijdschrift Vlaanderen,
Marlene Lie-A-Ling - Dans in Suriname
, Marlene Aminah Lie a Ling, 1997.
Gearchiveerd
op 24 juni 2021.
- ↑
Amigoe,
Dougla-stijl
, 18 januari 1992
- ↑
Werkgroep Caraibische Letteren, bewerkt uit:
Marlene’s Ballet een begrip in Suriname
, Ruth Nortan, De Ware Tijd, 2 april 2011.
Gearchiveerd
op 23 oktober 2021.
- ↑
Russische
folklore
is een andere voorname bron voor karakters. Onder meer de vaderfiguur
koning Dodon
en de magiers
Von Rothbart
en
Kosjtsjej
zijn aan Russische vertellingen ontleend.
- Bronnen
- (
en
)
Ballet Panorama: An Illustrated Chronicle of Three Centuries
(1938), A.L. Haskell
- (
en
)
Ballet Design: Past and Present
(1946), C.W. Beaumont
- (
en
)
Approach to the Ballet
(1948), A.H. Franks
- (
en
)
Mime: The Theory and Practice of Expressive Gesture with a Description of its Historical Development
(1957), J. Lawson
- (
en
)
The Beauty of Ballet
(1989), F. Hall
- (
en
)
Mirrors & Scrims: The Life and Afterlife of Ballet
(2010), M.B. Siegel
|