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Las artes escenicas son aquellas manifestaciones artisticas creadas para ser representadas sobre un escenario. ^{[ 1 ]} ​ Aunque son fundamentalmente tres disciplinas artisticas las que son representadas en las artes escenicas ( teatro , danza y musica ) estas a su vez se subdividen o se conjugan en otras tantas, como por ejemplo la opera , la zarzuela , el teatro musical , el performance , el cabaret , el recital , los guinoles , los titeres o el circo , entre otros. ^{[ 1 ]} ​ El escenario, por su parte, puede estar en construcciones destinadas especialmente para ello, como teatros, salas de espectaculos y salas de usos multiples, o bien pueden aprovechar espacios urbanisticos o arquitectonicos de caracter publico, como ocurre en los espectaculos callejeros como el circo o la comedia del arte . ^{[ 2 ]} ​ Incluso formas no artisticas como los desfiles , procesiones religiosas , fiestas populares o carnavales tienen una dimension escenica muy clara y a menudo son tomados en cuenta por las artes escenicas. ^{[ 2 ]} ​

Historia [ editar ]

Artes escenicas occidentales [ editar ]

A partir del siglo  VI  a. C., se inicia en Grecia el periodo clasico de las artes escenicas, que fue inaugurado por poetas tragicos como Sofocles . Estos poetas escribieron obras de teatro que, en algunos casos, incorporaban la danza (vease Euripides ). La periodo helenistico inicio el uso generalizado de la comedia.

Sin embargo, en el siglo  VI  d. C., las artes escenicas occidentales habian terminado en gran medida al iniciarse la Edad Oscura . Entre el siglo  IX y el siglo  XIV , el arte escenico en Occidente se limito a las representaciones historicas religiosas y a las obras de moralidad , organizadas por la Iglesia para celebrar los dias festivos y otros acontecimientos importantes.

Renacimiento [ editar ]

En el siglo  XV , las artes escenicas, junto con las artes en general, experimentaron un renacimiento a medida que el Renacimiento comenzaba en Italia y se extendia por toda Europa con obras de teatro, algunas de las cuales incorporaban la danza, que se representaban y a las que se atribuye a Domenico da Piacenza el primer uso del termino ballo (en De Arte Saltandi et Choreas Ducendi ) en lugar de danza para sus baletti o balli . El termino acabo convirtiendose en Ballet . Se cree que el primer Ballet per se es el Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).

A mediados del siglo  XVI la Commedia Dell'arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de la improvisacion . Este periodo tambien introdujo la mascara isabelina , con musica, danza y trajes elaborados, asi como las companias teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare de finales del siglo  XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de representacion profesional.

En 1597, se represento la primera opera, Dafne y, a lo largo del siglo  XVII , la opera se convertiria rapidamente en el entretenimiento elegido por la aristocracia de la mayor parte de Europa y, finalmente, por un gran numero de personas que vivian en ciudades y pueblos de toda Europa.

Edad Moderna [ editar ]

La introduccion del arco de proscenio en Italia durante el siglo  XVII establecio la forma de teatro tradicional que persiste hasta nuestros dias. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron la actuacion, lo que supuso un paron en las artes escenicas que duro hasta 1660. A partir de entonces, las mujeres comenzaron a aparecer en las obras de teatro francesas e inglesas. Los franceses introdujeron una ensenanza formal de la danza a finales del siglo  XVII .

Tambien fue en esta epoca cuando se representaron las primeras obras de teatro en las Colonias Americanas .

Durante el siglo  XVIII , la introduccion de la popular opera buffa llevo la opera a las masas como una forma accesible de representacion. [Las "Bodas de Figaro" y "Don Giovanni" de Wolfgang Amadeus Mozart son hitos de la opera de finales del siglo  XVIII .

A finales del siglo  XIX , Beethoven y el movimiento romantico dieron paso a una nueva era que condujo primero a los espectaculos de la gran opera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y a la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las operas de Richard Wagner que condujo directamente a la musica del siglo  XX .

El siglo  XIX fue un periodo de crecimiento de las artes escenicas para todas las clases sociales, avances tecnicos como la introduccion de la luz de gas en los teatros, el burlesque , el baile de juglares y el teatro de variedades. En el ballet, las mujeres logran grandes avances en un arte hasta entonces dominado por los hombres.

La danza moderna comenzo a finales del siglo  XIX y principios del XX como respuesta a las restricciones del ballet tradicional. La llegada de los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev (1909-1929) revoluciono el ballet y las artes escenicas en general en todo el mundo occidental, sobre todo gracias al enfasis de Diaghilev en la colaboracion, que reunio a coreografos, bailarines, escenografos/artistas, compositores y musicos para revitalizar y revolucionar el ballet. Es extremadamente complejo.

El Sistema Stanislavski de Konstantin Stanislavski revoluciono la actuacion a principios del siglo  XX y sigue teniendo una gran influencia en los actores de teatro y pantalla hasta la actualidad. Tanto el impresionismo como el realismo moderno se introdujeron en la escena durante este periodo.

Con la invencion del cine a finales del siglo  XIX por parte de Thomas Edison y el crecimiento de la industria cinematografica de Hollywood a principios del siglo  XX , el cine se convirtio en un medio de actuacion dominante durante los siglos XX y XXI .

El Rhythm and blues , un fenomeno cultural de la America negra, adquirio importancia a principios del siglo  XX , influyendo en una serie de estilos musicales populares posteriores a nivel internacional.

En la decada de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiria en la moderna iluminacion escenica , cambiando la naturaleza del escenario cuando el musical de Broadway se convirtio en un fenomeno en Estados Unidos.

Postguerra [ editar ]

Las artes escenicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial destacaron por el resurgimiento del ballet y la opera en el mundo occidental.

El posmodernismo en las artes escenicas domino en gran medida la decada de 1960.

Artes escenicas de Oriente [ editar ]

Oriente Medio [ editar ]

El hecho teatral mas antiguo del que se tiene constancia se remonta al ano 2000 a. C. con las obras de la pasion del Antiguo Egipto . La historia del dios Osiris se representaba anualmente en los festivales de toda la civilizacion, marcando el inicio conocido de una larga relacion entre el teatro y la religion.

Las formas mas populares de teatro en el mundo islamico medieval eran el teatro de marionetas (que incluia marionetas de mano, teatro de sombras y producciones de marionetas ) y las obras de pasion en vivo conocidas como ta'ziya , en las que los actores representaban episodios de la historia musulmana . En particular, las obras del Islam chiita giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares en vivo eran conocidas como akhraja , registradas en la literatura medieval de adab , aunque eran menos comunes que el teatro de titeres y la ta'ziya . ^{[ 3 ]} ​

Iran [ editar ]

En Iran existen otras formas de manifestaciones teatrales como el Naghali o el Naqq?li (cuentacuentos), el ?Ru-Howzi , el Siah-Bazi , el Parde-Khani y el Mareke giri . Antes del siglo  XX , la narracion de cuentos era la forma de entretenimiento mas reconocida, aunque hoy en dia todavia se mantienen algunas formas. Una forma, el Naghali , se representaba tradicionalmente en los cafes, donde los narradores, o Naghals (Naqq?ls) , solo recitaban secciones de una historia a la vez, conservando asi la clientela habitual. Estas historias se basaban en acontecimientos de importancia historica o religiosa y muchas hacian referencia a poesias del Shahnameh . A menudo, estas historias se modificaban para adaptarse a la atmosfera o al estado de animo del publico. ^{[ 4 ]} ​

India [ editar ]

El teatro folclorico y las representaciones teatrales se remontan al ritualismo religioso del pueblos vedicos en el 2.º milenio a. C.. Este teatro folclorico del pasado brumoso se mezclaba con la danza, la comida, el ritualismo y la representacion de acontecimientos de la vida cotidiana. Este ultimo elemento lo convirtio en el origen del teatro clasico de epocas posteriores. Muchos historiadores, en particular D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., se han referido al predominio del ritualismo entre las tribus indoarias en las que algunos miembros de la tribu actuaban como si fueran animales salvajes y otros eran los cazadores. Los que actuaban como mamiferos como cabras, bufalos, renos, monos, etc. eran perseguidos por los que hacian el papel de cazadores.

Bharata Muni (hacia el siglo  V - II  a. C.) fue un antiguo escritor indio conocido por haber escrito el Natya Shastra de Bharata , un tratado teorico sobre las artes escenicas indias, incluyendo el teatro, la danza, la actuacion y la musica, que ha sido comparado con la Politica de Aristoteles. Bharata suele ser conocido como el padre de las artes teatrales indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la tecnica, o mas bien el arte, del drama de forma sistematica. El Natya Shastra nos dice no solo lo que hay que representar en un drama, sino como hay que hacerlo. El drama, como dice Bharata Muni, es la imitacion de los hombres y sus acciones ( loka-vritti ). Como los hombres y sus acciones deben ser respetados en el escenario, el drama en sanscrito tambien se conoce con el termino roopaka , que significa representacion.

El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras teatrales reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas sirvieron de inspiracion a los primeros dramaturgos indios y lo siguen haciendo hasta hoy. Dramaturgos indios como Bh?sa en el siglo  II  a. C. escribieron obras muy inspiradas en el Ramayana y el Mahabharata .

K?lid?sa , en el siglo  I  a. C., esta considerado como el mayor dramaturgo de la India antigua. Tres famosas obras romanticas escritas por K?lid?sa son el M?lavik?gnimitram ( M?lavik? y Agnimitra ), Vikram?rva??yam ( Relativo a Vikrama y Urvashi ), y Abhijn?na??kuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). Esta ultima se inspiro en una historia del Mahabharata y es la mas famosa. Fue la primera en ser traducida al ingles y al aleman. En comparacion con Bh?sa, que se baso en gran medida en las epopeyas, K?lid?sa puede considerarse un dramaturgo original.

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo  VII ). Se dice que escribio las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . De estas tres, las dos ultimas cubren entre todas la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras de teatro: la comedia Ratnavali , Priyadarsika , y el drama budista Nagananda . Muchos otros dramaturgos siguieron durante la Edad Media .

Habia muchas formas de arte escenico en el sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam , Nangyarkoothu , Kathakali , Chakyar koothu , Thirayattam y habia muchos artistas destacados como Painkulam Raman Chakyar y otros.

China [ editar ]

Hay referencias a entretenimientos teatrales en China ya en el ano 1500 a. C. durante la dinastia Shang ; a menudo incluian musica, payasadas y exhibiciones acrobaticas.

La dinastia Tang se conoce a veces como "la era de los 1000 entretenimientos". Durante esta epoca, el Emperador Xuanzong formo una escuela de actuacion conocida como los Ninos del Jardin de Peras para producir una forma de teatro que era principalmente musical.

Durante la dinastia Han, las marionetas de sombra surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Habia dos formas distintas de marionetas de sombra, la surena cantonesa y la nortena pequinesa. Los dos estilos se diferenciaban por el metodo de fabricacion de las marionetas y la colocacion de las varillas en los titeres, en contraposicion al tipo de obra representada por las marionetas. Ambos estilos representaban generalmente obras que representaban grandes aventuras y fantasia, y rara vez se utilizaba esta forma de teatro tan estilizada para la propaganda politica. Las marionetas de sombra cantonesas eran las mas grandes de las dos. Se construian con cuero grueso que creaba sombras mas sustanciales. El color simbolico tambien era muy frecuente; una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentia. Las varillas utilizadas para controlar las marionetas cantonesas se fijaban perpendicularmente a las cabezas de las marionetas. Asi, el publico no las veia cuando se creaba la sombra. Las marionetas pequinesas eran mas delicadas y pequenas. Se creaban con un cuero fino y translucido que solia sacarse de la barriga de un burro. Se pintaban con pinturas vibrantes, por lo que proyectaban una sombra muy colorida. Las finas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrian paralelas al cuerpo de la marioneta y luego giraban en un angulo de noventa grados para conectarse al cuello. Aunque estas varillas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, quedaban fuera de la sombra de la marioneta, por lo que no interferian en la apariencia de la figura. Las varillas se unian a los cuellos para facilitar el uso de varias cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se utilizaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas se retiraban siempre por la noche. Esto responde a la antigua supersticion de que, si se dejan intactas, las marionetas cobraran vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aun mas la posibilidad de reanimar a los titeres. Se dice que las marionetas de sombra alcanzaron su maximo desarrollo artistico en el siglo  XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

En la dinastia Song , habia muchas obras populares que incluian acrobacias y musica. En la dinastia Yuan se desarrollo una forma mas sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El teatro Yuan se extendio por toda China y se diversifico en numerosas formas regionales, la mas conocida de las cuales es la Opera de Pekin, que sigue siendo popular hoy en dia.

Tailandia [ editar ]

En Tailandia , desde la Edad Media es tradicional representar obras de teatro basadas en argumentos extraidos de las epopeyas indias. En particular, la version teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien , una version del Ramayana indio, sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en dia.

Camboya [ editar ]

En Camboya , las inscripciones que se remontan al siglo  VI d. C. indican la existencia de bailarines en un templo local y el uso de marionetas para obras religiosas. En la antigua capital Angkor Wat , se han esculpido en las paredes de templos y palacios historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata . Relieves similares se encuentran en Borobudur en Indonesia.

Filipinas [ editar ]

En Filipinas , el famoso poema de epica Ibong Adarna , titulado originalmente "Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (ingles: " Corrido y Vida Vivida por los Tres Principes, hijos del Rey Fernando y la Reina Valeriana en el Reino de Berbania") del siglo  XVI fue escrito por Jose de la Cruz durante la epoca espanola . Aparte de las representaciones teatrales, se produjeron diferentes peliculas por parte de distintos estudios cinematograficos/producciones de television. La primera pelicula producida "Ang Ibong Adarna" fue producida por LVN Pictures , el mayor estudio cinematografico de la historia de Filipinas.

Florante at Laura es un awit ' o un poema compuesto por cuartetas de 12 silabas con el titulo completo "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (ingles: "La historia de Florante y Laura en el Reino de Albania ") fue escrita por Francisco Balagtas en 1838 durante su encarcelamiento, dedicada a su enamorada Maria Asuncuion Rivera (apodada "M.A.R.", a la que se refiere como "Selya"). El poema tiene una parte especial titulada " Kay Selya " (ingles: "For Celia") especialmente dedicada para Rivera.

El heroe nacional de Filipinas , Jose Rizal que tambien es novelista, creo los dos famosos poemas en Filipinas, Noli Me Tangere ( latin para "No me toques", con un acento agudo anadido en la palabra final de acuerdo con la ortografia espanola ) (1887) que describe las desigualdades percibidas de los frailes catolicos espanoles y el gobierno gobernante y El Filibusterismo (traducciones: El filibusterismo; El subversivo o La subversion, como en la traduccion inglesa de Locsin, tambien son traducciones posibles, tambien conocida por su titulo alternativo en ingles The Reign of Greed) (1891). El tema oscuro de la novela se aleja drasticamente de la atmosfera esperanzadora y romantica de la novela anterior, lo que significa que Ibarra recurre a la solucion de los problemas de su pais por medios violentos, despues de que su anterior intento de reformar el sistema del pais no surtiera efecto y pareciera imposible con la actitud corrupta de los espanoles hacia los filipinos. Estas novelas fueron escritas durante la colonizacion de Filipinas por el Imperio espanol .

Todas estas obras literarias estaban dentro del plan de estudios del Programa K-12 para escuelas secundarias , Ibong Adarna esta dentro del plan de estudios del 7º grado; Florante en Laura (8º grado); Noli Me Tangere (9º grado); y El Filibusterismo (10º grado).

Japon [ editar ]

Durante el siglo  XIV , habia pequenas companias de actores en Japon que representaban comedias cortas, a veces vulgares. El director de una de estas companias, Kan'ami (1333-1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363-1443), que fue considerado uno de los mejores ninos actores de Japon. Cuando la compania de Kan'ami actuo para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), el sh?gun de Japon, le imploro a Zeami que tuviera una educacion en la corte para sus artes. ^{[ 5 ]} ​ Despues de que Zeami sucediera a su padre, continuo actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es el Noh . Mezcla de pantomima y acrobacias vocales, el estilo teatral Noh se ha convertido en una de las formas mas refinadas de representacion teatral de Japon. ^{[ 6 ]} ​

Japon, despues de un largo periodo de guerras civiles y desorden politico, estaba unificado y en paz principalmente gracias a sh?gun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). Sin embargo, alarmado por el creciente numero de cristianos dentro del pais debido a los esfuerzos proselitistas de los misioneros cristianos, corto el contacto de Japon con Europa y China y prohibio el cristianismo. Cuando llego la paz, el florecimiento de la influencia cultural y la creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que florecio fue el Ningy? j?ruri (comunmente conocido como Bunraku ). El fundador y principal colaborador del Ningy? j?ruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), convirtio su forma de teatro en un verdadero arte. El Ningy? j?ruri es una forma de teatro muy estilizada que utiliza marionetas, hoy en dia de aproximadamente ¹ ⁄ _3er tamano humano. Los hombres que controlan las marionetas se entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, momento en el que pueden manejar la cabeza y el brazo derecho de la marioneta y optar por mostrar sus rostros durante la representacion. Los otros titiriteros, que controlan los miembros menos importantes de la marioneta, se cubren a si mismos y a sus rostros con un traje negro, para dar a entender su invisibilidad. El dialogo es manejado por una sola persona, que utiliza diversos tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribio miles de obras a lo largo de su vida, la mayoria de las cuales se siguen utilizando en la actualidad.

El Kabuki comenzo poco despues del Bunraku, segun la leyenda, por una actriz llamada Okuni, que vivio hacia finales del siglo  XVI . La mayor parte del material del kabuki procede del Noh y del Bunraku, y sus movimientos erraticos tipo danza son tambien un efecto del Bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y mas distante que el Noh, pero muy popular entre el publico japones. Los actores se entrenan en cosas muy variadas, como la danza, el canto, la pantomima e incluso las acrobacias. El kabuki fue interpretado primero por chicas jovenes, luego por chicos jovenes y, a finales del siglo  XVI , las companias de kabuki estaban formadas exclusivamente por hombres. Los hombres que representaban a las mujeres en el escenario eran entrenados especificamente para obtener la esencia de una mujer en sus sutiles movimientos y gestos.

Historia de las artes escenicas en Oceania [ editar ]

A menudo, la danza melanesia exhibe un tema cultural de masculinidad donde el liderazgo y un conjunto de habilidades unicas son importantes para compartir con la comunidad. ^{[ 7 ]} ​ Estas danzas demuestran la soldadesca de un hombre; sin embargo, tambien pueden representar la rentabilidad como el fomento de la resolucion de conflictos o la curacion. ^{[ 8 ]} ​ Los trajes de los bailarines imitadores incorporan grandes mascaras y caracteristicas no humanas que actuan para imitar figuras miticas. La musica tambien puede actuar como voz para estos personajes magicos. ^{[ 7 ]} ​

Espacio escenico [ editar ]

El espacio de las artes escenicas, aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del espectaculo y todo lo referido a este mundo, se han tenido que cambiar a lo largo de la historia, mantienen inalterable una cierta disposicion de ambitos dependiendo de la utilizacion que de ellos se haga. Cuando esto suceda tenemos que utilizar artefactos que nos puedan ayudar, hace referencia a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que la obra se produzca: los actores y el publico .

Adicionalmente, los espacios escenicos se han modificados para complacer las necesidades modernas. La tecnologia ha sido el mayor contribuyente ya que en los espacios mas profesionales, como el teatro , se han omitido luces y audio que aumentan la experiencia audiovisual para el espectador. Sin embargo las obras callejeras si implican efectos mas practicos.

Historia de las artes escenicas [ editar ]

Las Artes Escenicas cuentan con importantes antecedentes historicos, que van desde los rituales chamanicos de celebracion de la primavera, hasta la Tragedia Griega y los Juegos Panhelenicos de la Grecia Antigua, o los Juegos Florales del posterior Imperio Romano y el Teatro Sacro Cristiano.

Este tipo de representaciones siempre han sido centrales en la vida cultural de las naciones, ya que poseen, en especial el teatro, una dimension politica importante.

Se asume, a partir de imagenes rupestres y otras evidencias, que la musica habria aparecido primero, posteriormente la danza y finalmente el teatro como una forma compleja de esta ultima. Sus vertientes mas recientes son las cercanas al cine, cuya tecnica de cinematografia no seria inventada hasta el siglo  XIX . ^{[ 2 ]} ​

Origen y funcion religiosa [ editar ]

El teatro sacro es tan antiguo como el propio teatro , pues puede considerarse su causa de aparicion. Junto con los olimpicos y los demas Juegos Panhelenicos ( piticos , istmicos y nemeos ) el teatro griego nacio como una mas de las competiciones sagradas musicales y poeticas (como en Roma serian los juegos florales ). El considerado fundador del teatro, Tespis , lo fue por ser el primer ganador de uno de estos certamenes: las Dionisias de Atenas (536 a. C.). El teatro adquirio enseguida, especialmente en las tragedias , una evidente funcion ritual y espiritual. Destacaba su funcion purificadora (la catarsis ) ademas de la transmision de altos valores morales; y de informar a los espectadores de cual era su papel como hombres y ciudadanos dentro de la polis y del cosmos junto a los demas hombres y los dioses , y le invitaba a identificarse con los heroes conducidos por su destino a una mision trascendente.

Las civilizaciones asiaticas desarrollaron artes escenicas tambien con profundos sentidos religiosos y sociales, entre los que la reproduccion y vivencia de los mitos alcanzaba la mayor importancia ( teatro chino , teatro japones , cultura de Indonesia , teatro de Bali - ketchak , representacion colectiva del Ramayana de altisima fuerza expresiva-)

El teatro sacrocristiano , precedente inmediato del teatro clasico europeo del Renacimiento y el Barroco, surgio en la Edad Media ( drama liturgico , auto sacramental , misterio (teatro) , moralidad (teatro) ; y junto con la musica sacra tuvo en las iglesias y catedrales el contexto escenico para el que fue concebido.

Vease tambien [ editar ]

• Antonin Artaud
• Director de escena
• Escenografia
• Escenografo
• Teatro
• Ballet
• Performance
• Musica

Referencias [ editar ]